HOUSE OF EBATA

岩竹理恵｜RIE IWATAKE

The title of the work, Atopon (having no place), is a Greek word meaning a strange thing (moment) between motion and stillness.

By dividing an image of a landscape into sections and changing the size of the print particles in each section, the effect of combining images with different perspectives is created. The point of view is not a fixed point, but represents a fluid visual experience of time and distance.

There is a parallel relationship between the image space and the art material space on the same screen, with the landscape appearing as you move away and reducing to ink and paper as you approach.

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Forests of trees with green leaves appear blue from a distance. When you get closer and enter the forest, you cannot see the whole picture. The impression of an object is different when you look at it from a distance and when you get closer to it.

The outline of a phenomenon is always unstable and tentative, even if you try to capture it by moving closer or further away.

To be able to see/to see/to be able/ see, observing and perceiving complement and interfere with each other. In the interlocking flow of seeing and looking, there is a visual experience that only the subject who is looking can see/see.

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作品のタイトル<<Atopon(場所をもたない)>>は、ギリシャ語で動と静のあいだにある奇妙なもの「瞬間」を意味する。

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一枚の風景の像を分割して、それぞれの部分の印刷の粒子の大きさを変えることで遠近感の異なる像を組み合わせたような効果が起きている。視点が固定された一点ではなくて時間と距離の流動的な視覚経験を表している。遠ざかれば風景があらわれて近づけばインクと紙に還元する、画像空間と画材空間が同一画面上で並列な関係にある。

緑の葉っぱが生えた木々の山は遠くから見ると青く見える。近づいて山の中に入ると全体像はわからない。対象物を遠くから見るのと近づいてみるのとは印象が違う。近づいたり遠ざかったりして捉えようとしても事象の輪郭は常に不安定で暫定的なものだ。

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見える-見る-見える-見る、観察することと認識することは補完しあったり邪魔しあったりする。連動する流れのなかで見えることと見ること、そのあいだには見ている主体だけが見える/見る映像体験がある。

http://kataoka-iwatake.tank.jp/

神奈川県在住。金沢美術工芸大学工芸科卒業、筑波大学大学院芸術専攻を修了後、ペルーやパリ、横浜、台湾など様々な場所を移動しながら作品を制作・発表してきた。片岡純也とのユニットでの発表が多く、キネティック作品と平面作品を組み合わせた空間構成が特徴的で、素材や図案の出会いに物語を生み個々の作品の題材がゆるやかに響きあう手法を使う。

近年の展覧会に 瀬戸内国際芸術祭2022、「MOTアニュアル2020 透明な力たち」（東京都現代美術館、2019）、「二つの心臓の大きな川」（アーツ千代田 3331、2017）、「BankART U35 Junya Kataoka＋Rie Iwatake」（BankART Studio NYK、2017）、「PyeongChang Biennale 2017」（韓国、2017）など

Rie Iwatake lives and works in Kanagawa, Since graduating from M.A. Art and Design Science, University of Tsukuba, Ibaraki in 2006 and B.A. Textiles, Department of Craft, Kanazawa College of Art, Ishikawa,

she has traveled to make works in many locations including Peru, Paris, Yokohama and Taiwan.Iwatake often works as a unit with Junya Kataoka, combining kinetic and two-dimensional works in a spatial composition that creates a narrative in the encounter of materials and designs, and in which the subject matter of each work is gently echoed.

Recent exhibitions include

Setouchi Triennale 2022, “MOT Annual 2020 Invisible Powers” Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo in 2020;

Big Two- Hearted River, 3331 Arts Chiyoda, 1F 3331 Gallery, Tokyo in 2019;

“BankART U35, Junya Kataoka+Rie Iwatake” BankART Studio NYK, Yokohama,

“Pyeong Chang Biennale 2017” Gangneung, South Korea in 2017, 

SIMON WILLEMS｜サイモン・ウィレムス

Green (Expand Monochrome)

Cast your eye to the left and the colour

hovers between snooker table felt and AstroTurf,

a brief entry of artifice that shouldn’t really work.

Rebelling in the lower region of the painting,

the riverbank in Morning Mist at Anderlys

is a curious proposition: pitching green against green.

It’s not just the colour, willing itself towards neon that appeals,

when the cartoon graphics so characteristic of Felix Vallotton

elsewhere (anticipating Hopper and Katz), accentuate this tension.

Move to the right and the surface

fogs - like Whistler’s Nocturnes - Green Earth and White stilling the river

through a yellowing glaze.

Except there’s a bluing in the mix, a mineral effect,

and it’s hard to discern whether Oxide of Chromium or Pthalo are to blame.

Either way, lime holds sway (Cinnabar Green, to be precise),

marshalling the trees in the mid-distance.

ジェームズ・マクニール・ホイッスラーの絵から目を左に移すと、

スヌーカーテーブルのフェルトと人工芝の間をふわっと行き来する色があり、

本当はうまくいかないはずの技法が一瞬だけ現れる。

<<Morning Mist at Anderlys>>の下の方にある川岸は、

緑と緑をぶつけ合うような不思議な試みをしている。

このネオンに向かって進んでいく色彩だけが魅力なのではなく、

フェリックス・ヴァロットンの特徴である

（ホッパーやカッツを先取りした）漫画のようなグラフィックが、

この緊張感を際立たせているのである。

右側に移動すると、表面が曇り、ホイッスラーの<<夜想曲>>のように、

黄ばんだ釉薬によって「緑の大地」と「白」が川を静止させる。

ただし、この作品には青みがかった鉱物の効果があり、

酸化クロムなのかプタロなのか、その原因を見分けるのは難しい。

いずれにせよ、ライム（正確にはシナバーグリーン）が中景の木々を支配している。

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Afterthought: Picasso’s Blue Period strikes a chord not so much

because blue is the signature, as to how this is achieved.

Whether you’re looking at The Old Guitarist, Two Women at a Bar, or The Blue Room,

what is primary is not the idea of monochrome as a point of singularity,

so much as a space of difference, fuelled by the possibility

that blue is a range as much as a given pigment.

All hues are up for grabs, that is the point:

monochrome doesn’t have to mean Gerhard Richter or Mark Tansey.

Navigate the surface of any one piece and you’ll find Cerulean, Prussian and Cobalt,

not to mention complementary earths, in all manner of applications.

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補足：ピカソの「青の時代」は、青が特徴的だからというわけではなく、

それがどのように達成されたかという点が印象深い。

<<老いたギター弾き>>、<<酒場の二人の女>>、<<青い部屋>>のいずれを見ても,

重要なのはモノクロームが特異であるというよりも、

青が特定の顔料であると同時に多様であるという可能性による差異の空間であることだ。

モノクロームがゲルハルト・リヒターやマーク・タンシーを意味するものではない。

どの作品の表面も、セルリアン、プルシアン、コバルト、

そしてもちろん補色のアースカラーが、あらゆる用途で使われている。

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simonwillems.com 

Simon Willems is a London-based artist. He is currently a British Academy Postdoctoral Fellow at the University of Reading (UK), where he completed a practice-based PhD in Fine Art in 2019, having graduated from the Painting School at the Royal College of Art in 2000. He has shown widely in both solo and group exhibitions throughout Europe and North America, including solo exhibitions at Torrance Art Museum (Los Angeles), FRAC Auvergne (Clermont-Ferrand), Elephant West (London), Galerie Polaris (Paris) and Wallspace (New York) His work has featured and been reviewed in Flash Art, Art Review and Elephant Magazine amongst other publications, and was included in the survey painting publication, A Brush with the Real:Figurative Painting Today (Laurence King Publishing). Willems has written and published articles in the Journal of Contemporary Painting, the Journal of Organizational Aesthetics and the painting journal Turps Banana.

ロンドンを拠点に活動するアーティスト。2000年にロイヤル・カレッジ・オブ・アートのペインティングスクールを卒業し、現在はレディング大学（イギリス）のブリティッシュ・アカデミー博士研究員として、2019年にファインアートにおける実践ベースの博士課程を修了。トーランス美術館（ロサンゼルス）、FRAC Auvergne（クレルモンフェラン）、Elephant West（ロンドン）、Galerie Polaris（パリ）、Wallspace（ニューヨーク）での個展をはじめ、ヨーロッパと北米の各地で発表している。作品は『Flash Art』『Art Review』『Elephant Magazine』などの出版物で紹介され、絵画の研究書『A Brush with the Real: Figurative Painting Today』 (Laurence King Publishing) で紹介された。また『Journal of Contemporary Painting』『Journal of Organizational Aesthetics』、絵画専門誌『Turps Banana』に執筆している。

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DIANA ZRNIC｜ディアナ・ズルニク

Is painting an overly chewed bubble gum that lost its flavour?

It became almost radical to push  the pigment over the flat surface in the last few decades,

criticized as old-fashioned,  commodifying, or irrelevant.

The fact that painting is in its most usual form flat like the screens  in our pockets

and on our tables makes one wonder whether the oldest art form,

questioned to  the point of crucifixion unlike any other,

is in fact the most relevant in relation to the context  of vast digital networks.

Often contrasted rather than compared for the obvious physical/digital  differences,

paintings and screens are, all in all, both portals offering the clashing of realities

in the strong illusory conjunction between real and projected spaces.

Simultaneously shrinking and stretching space of the mind and the surroundings,

painting and  the Internet pose a question of where we see things being real.

In constant search for bits of  that real,

even in the unreal, we are looking for something that resonates

or vaguely resembles  our sense of existence, genuineness, relevance, and importance. 

While offering spaces we cannot touch or step into, paintings and screens are still excellent  hosts.

Although physically fragile, they have the strength to put up with any content we lay on them.

Resilient to stories, figures, crazy ideas, good or bad antithesis,

they testify to there being  no actual or absolute truths by offering a variety of possibilities. 

With painting, the key notion is that of the frame and what fits inside.

Constraints are essential to the very existence of painting

as it depends on the limits of the object it inhabits and the architecture it becomes a part of.

Contemporary painting means pushing against some constraints while working along with others.

While a rejection of the weight of painting in the  80s

was an inspection of what painting is and what taking pleasure in the paint is,

today, it is not so much about rejection as it is about arriving and departing in different directions.  

Although always present, stripped of its prominence by consciously holding onto its own materiality,

painting is coming back, and the world is flat once again!

絵画とは噛みすぎて味を失ったガムなのだろうか。

ここ数十年の間に、顔料を平らな表面に押しのばすことはほとんど過激でさえあり、

古臭く、商品を制作するもので、アートとはなんの関係もないと批判されるようにさえなった。

絵画が私たちのポケットやテーブルの上にあるスクリーンのように、

最も普通の形で平面であるという事実は、

他のどんなものとも違って磔になるまでに問われた最も古い芸術形式が、

実は巨大なデジタルネットワークの文脈との関連において最も適切ではないだろうか？

絵画とスクリーンは、物理的・デジタル的な違いから比較されるよりも、むしろ対照的に扱われることが多いが、

結局のところ、現実空間と投影空間の間の強い錯覚の中で、現実の衝突をもたらす出発点でもあるのだ。

絵画とインターネットは、心や周囲の空間を縮めたり伸ばしたりしながら、

どこに現実があるのかという問いを投げかけている。

非現実の中にさえも現実の断片を探し求め、

私たちは自分の存在感、純粋さ、関連性、重要性に共鳴するもの、

あるいはそれになんとなく似たものを探している。

絵画やスクリーンは触れたり足を踏み入れたりすることのできない空間でありながら、

多くの優れた役割を担っている。

物理的には壊れやすいが、どんなコンテンツを載せても耐えられる強さがある。

物語、人物、奇想天外なアイデア、善悪のアンチテーゼに耐え、

様々な可能性を提供することで、現実や絶対的な真実が存在しないことを証明してくれるのだ。

絵画の場合、重要なのはフレームとその中に収まるものという概念だ。

絵画の存在には制約が不可欠であり、それは絵画が宿る対象やその一部となる建築物の限界に依存している。

現代絵画とは、ある制約に抗いながらも、他の制約と共存していくことを意味する。

80年代の絵画の重さに対する拒絶は、絵画とは何か、

絵の具に喜びを感じることとは何かを検証することだったが、

今日では、拒絶というよりも、異なる方向への到着と出発を意味するようになった。 

常に存在しながらも、意識的に自らの物質性を保持することで突出した存在感を剥奪された絵画は、

再び世界をフラットにして戻ってきたと言えるだろう。

https://dianazrnic.myportfolio.com/ 

Diana Zrnic, born in 1995 in Zagreb, is an emerging artist living and working in the UK. She  completed her postgraduate degree MFA Fine Art at Goldsmiths, University of London, in  2021 after graduating from the Academy of Fine Art in Zagreb in 2018. Zrnic attended three  residency programs; in Barcelona, Berlin, and Lapua, which resulted in group and solo  exhibitions. Most recent shows include Grads Now at Saatchi gallery in London and the 6th Biennial of Painting at HDLU in Zagreb. Mainly working with paintings and sculptures, her  latest work explores notions of hybridity, simultaneity, and displacements of our lives and  world. Imagery seen in her work deploys experiences of disparate forces, the reality of being  implicated in an excessive number of processes at various scales and how, in a material sense,  the body is the co-processor of digital information.

1995年ザグレブ（クロアチア）生まれ。2018年ザグレブの美術アカデミーを卒業後、

2021年ロンドン大学ゴールドスミス校の大学院MFAファインアート課程修了。

イギリスを拠点に、主に絵画と彫刻を制作している。

最新作では私たちの生活や世界の混成性、同時性、変位といった概念を探求している。

作品に見られるイメージは、異質な力の経験、様々なスケールで過剰な数のプロセスに関与している現実、そして物質的な意味で、身体がデジタル情報の共同処理者であることを表現している。

近年の展覧会に「Grads Now」（サーチ・ギャラリー、ロンドン）、

「第6回Biennial of Painting」（HDLU、ザグレブ）などがある。